HABITANDO MUNDOS POSIBLES

Laboratorio de creación escénica multidisciplinar

 

 

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“La rayuela se juega con una piedrita que hay que empujar con la punta del zapato. Ingredientes: una acera, una piedrita, un zapato, y un bello dibujo con tiza, preferentemente de colores. En lo alto está el Cielo, abajo está la Tierra, es muy difícil llegar con la piedrita al Cielo, casi siempre se calcula mal y la piedra sale del dibujo.”
(Rayuela. J. Cortázar)

 

Habitando mundos posibles es un laboratorio de investigación escénica que propone la experiencia de un viaje creativo y de aprendizaje a través de un proyecto escénico multidisciplinar: desde los primeros pasos, generando materiales dramatúrgicos y plásticos a partir de una premisa de investigación, pasando por sesiones de ensayo con estos materiales en busca de una forma escénica y concluyendo con un montaje que se exhibirá como muestra final en work in progress.
El participante del laboratorio se convierte en miembro del equipo creativo, como actor, director, dramaturgo, bailarín, de un proceso de creación escénica coordinado por el equipo artístico de RED ROOM LAB y dirigido por Juan José Villanueva.

La premisa de investigación del laboratorio es el concepto de los mundos posibles. Desde la formulación de Leibniz “vivimos en el mejor de los mundos posibles”, esta noción ha ido ampliándose hasta convertirse en un paradigma para comprender nuestra realidad desde la física, la filosofía o con la herramienta más poderosa para construir mundos: la creación artística. ¿Existen mundos paralelos en los que están sucediendo otras versiones de mi vida, a partir de las decisiones que no afronté en esta realidad? ¿Es el azar, como en el juego de la rayuela, quien decide el rumbo de nuestra vida, con quién la compartimos y cómo la habitamos? ¿Podemos construir un espacio de juego escénico, como el jardín/laberinto de Borges, donde confluyan todos esos mundos, personajes, sensaciones y entren en contacto físico? ¿Podemos reencontrarnos con personas, lugares y situaciones, viajando por los mundos paralelos? Los mundos posibles son el punto de partida para construir un artefacto escénico en el que, a partir de modelos como la Rayuela de Cortázar, trabajaremos con la intervención del azar en el cuerpo, el espacio y la palabra: una estructura artística donde actores, bailarines y performers dialoguen, se enfrenten y se busquen en el tiempo a través de los mundos posibles.

ESTRUCTURA LABORATORIO
El proceso completo del Laboratorio se articula en dos fases consecutivas. El alumno tiene la opción de matricularse en ambas o únicamente en una fase, si está interesado tan solo en los contenidos y el trabajo específico de una de ellas.
Estas fases son:
a) Fase de creación dramatúrgica y materiales escénicos:
– Aproximación a ideas clave: reflexión sobre aspectos fundamentales de la estructura dramatúrgica contemporánea (espacialidad, temporalidad, desdoblamiento del yo, ruptura de la causalidad) y puesta en escena contemporánea (partitura, recursos de composición escénica, actuación y performatividad).
– Generación de materiales artísticos: se propone al participante la creación de materiales textuales y propuestas plásticas o compositivas, partiendo de la premisa de los mundos posibles y estimulando su propio imaginario. El proceso del laboratorio vincula por tanto la reflexión y la creación dramatúrgica con la composición escénica.
Al finalizar esta fase, los participantes habrán generado un conjunto de materiales dramatúrgicos, resultado del aprendizaje de los recursos teóricos y de su aplicación en los procesos creativos realizados.
b) Fase de investigación escénica, montaje y exhibición:
– Aproximación a recursos y herramientas de plástica escénica, puesta en escena, actuación y movimiento escénico y coreográfico.
– Investigación en acción: sesiones de ensayo a partir de los materiales generados en la fase dramatúrgica, en busca de una “forma escénica”. Montaje. Al igual que en la fase anterior, la propuesta del laboratorio es vincular orgánicamente la parte teórica con el desarrollo creativo durante los ensayos, corriendo simultáneos durante todo el proceso.
Al finalizar esta fase se realizará una exhibición final en work in progress.

Una de las características del laboratorio es que, si bien todos los alumnos realizarán el mismo proceso, se fomentará el desarrollo creativo individualizado del participante según su perfil (actor, dramaturgo, director, bailarín) o el interés particular en algún aspecto específico de la creación escénica: la dramaturgia, la composición escénica, el trabajo en acción con actores y bailarines, la plástica teatral, la actuación. Para ello, y especialmente en la segunda fase, los participantes se organizarán en torno a grupos de trabajo según estas áreas creativas, coordinadas por un responsable del equipo de Red Room Lab. Estos grupos confluirán en las sesiones colectivas de ensayo, aportando propuestas específicas de dichas áreas y trabajando en ellas a partir de los resultados de los ensayos.
De este modo, el laboratorio se articula en torno a un único equipo artístico de creación, sumando aprendizaje e investigación artística, donde el participante desarrolla una propuesta multidisciplinar en equipo y, al tiempo, se ejercita en aquella faceta escénica en la que se muestra más interesado.

OBJETIVOS
– Aprendizaje de recursos y herramientas básicas de dramaturgia en acción, composición escénica y dinámicas de trabajo con actores, bailarines, en una creación escénica contemporánea.
– Desarrollo del imaginario artístico y creativo aplicado a las artes escénicas.
– Conocimiento y experiencia de las dinámicas de creación y trabajo de un equipo artístico de creación escénica multidisciplinar.

A QUIÉN VA DIRIGIDO:
El Laboratorio está dirigido a todos los interesados en los procesos de creación escénica contemporánea y las dramaturgias en acción, actores, directores, dramaturgos, artistas plásticos, bailarines, coreógrafos, performers, docentes e investigadores en las creaciones multidisciplinares contemporáneas.

CONTENIDOS
Fase 1 : Creación dramatúrgica y materiales escénicos: 4 sesiones ONLINE de 3 horas
– Sesión 1: presentación del laboratorio y explicación de ideas claves a partir de la noción de mundos posibles y cuestiones dramatúrgicas de base.
– Sesión 2: trabajo creativo y primer acercamiento a la dramaturgia en acción y la composición escénica.
– Sesiones 3 y 4: trabajo de los participantes, de carácter creativo, dramatúrgico- escénico. Al final de la sesión 4, se hará una puesta en común de los materiales generados.
Fase 2: Investigación escénica, montaje y exhibición. 4 sesiones de ensayo PRESENCIALES (no se descarta que pasen a formato online debido a la situación sanitaria actual provocada por el COVID-19) de 4 horas cada una + 1 sesión donde se realizará una muestra final en work in progress.
– Sesión 1: Presentación de la fase de investigación en acción y explicación de los recursos básicos de composición escénica y dirección que se van a desarrollar en el proceso. Primer acercamiento en acción al material dramatúrgico de la fase 1.
– Sesiones 2 a 4: se realizan con la siguiente estructura:
– Presentación de ideas, propuestas (resultado del trabajo y modificaciones realizadas a los materiales en la sesión anterior) y recursos de puesta en escena y dirección que se van a trabajar en esa sesión concreta.
– Ensayos, improvisaciones, montaje.
– Puesta en común final de todo el equipo para chequear qué se ha conseguido y lanzar posibles propuestas de trabajo para la siguiente sesión.
– Sesión 5: Presentación en work in progress del trabajo realizado y puesta en común.

CALENDARIO Y HORARIO:

1ª FASE: CREACIÓN DRAMATÚRGICA Y MATERIALES ESCÉNICOS. Juan José Villanueva, Marga del Hoyo.
4 Sesiones ONLINE. 3 horas por sesión. (12 horas totales)
Sesión 1. 28 de Octubre de 18.00h a 21.00h
Sesión 2. 4 de Noviembre de 18.00 a 21.00
Sesión 3. 11 de Noviembre de 18.00 a 21.00h
Sesión 4 (recopilación de materiales y puesta en común). 14 de Noviembre de 11.00 a14.00h

2ª FASE: INVESTIGACIÓN ESCÉNICA Y MONTAJE. Juan José Villanueva, Marga del Hoyo, Amaya Galeote, Diego palacio. Con la colaboración de Marc Álvarez.
5 sesiones PRESENCIALES. (4 sesiones presenciales y 1 sesión de presentación en work in progress). 4 horas por sesión (30 horas totales)
Sábado 21 de Noviembre: Sesión 1 de 11.00 a 15.00h
Sábado 28 de noviembre: Sesión 2 de 11.00 a 15.00h
Sábado 5 de Diciembre: Sesión 3 de 11.00 a 15.00h
Sábado 12 de Diciembre: Sesión 4 de 11.00 a 15.00h
Sábado 19 de Diciembre: Muestra.

PRECIO:
1ª FASE: 150€
2ªFASE: 350€
Si el laboratorio se realiza en su totalidad tiene un único precio de 450€

ACCESO:
12 únicas plazas.
Para acceder al laboratorio debes enviarnos tu CV y una breve carta de motivación a info@escuelainternacionaldelgesto.com. Una vez aprobado tu CV, se realizaría la reserva de la plaza.

PROFESORADO:
RED ROOM LAB
Nuestras actividades se desarrollan en creaciones escénicas, workshops, trabajos de investigación tanto performativos como académicos y colaboraciones con otros creadores, investigadores y colectivos. En Red Room Lab apostamos por la pluralidad y diversidad de miradas en el ámbito de la creación, un posicionamiento que nos lleva a construir equipos creativos específicos para cada una de nuestras actividades. Con este posicionamiento perseguimos ampliar el abanico de lenguajes y disciplinas artísticas que abordamos y enriquecer el discurso de nuestra plataforma.

Juan José Villanueva: concepto y dirección
Marga del Hoyo: dramaturgista
Amaya Galeote: movimiento escénico y coreográfico
Diego Palacio: iluminación y nuevas tecnologías
Marc Álvarez: música
Sergio Pereda: equipo de dirección

 

JUAN JOSÉ VILLANUEVA

 

Juan José Villanueva: Concepto y dirección

Ha estrenado como director de escena distintos espectáculos en el circuito profesional y festivales internacionales de teatro y danza, como el XXX Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, el V Festival Internacional Palabra y música en el Teatro Lope de Vega (Sevilla), la Muestra de Danza de la Junta de Andalucía o el XXXII Festival Internacional de Teatro de Badajoz, entre otros. En el ámbito del teatro musical, ha sido durante 4 años director residente y adjunto a la dirección para el staff nacional de Stage Entertainment.
Su trabajo se extiende a talleres de investigación y residencias artísticas como director invitado en instituciones como la Compañía Nacional de Danza, los Teatros del Canal (Madrid), el Laboratorio de las Artes de Valladolid o el Instituto Cervantes.

Ha sido durante 4 años ayudante de dirección del Centro Andaluz de teatro.
Es actualmente profesor en la especialidad de Dirección escénica y Dramaturgia en la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León. Miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España, la Asociación de Directores de Escena (ADE), el Instituto del Teatro de Madrid (ITEM) y del Grupo de Investigación en Artes Escénicas (ARES), perteneciente a la Universidad Internacional de La Rioja. Imparte clases también como Profesor Asociado del departamento de Lengua Española y Teoría de la Literatura de la Universidad Complutense de Madrid.

MARGA DEL HOYO

 

Marga del Hoyo: Dramaturgista

Marga del Hoyo Ventura es Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad de Valladolid, Doctora en Filología por la Universidad de Burgos con una investigación sobre análisis del espectáculo y tiene estudios en Arte Dramático (1996-2000).
Ha compaginado la docencia con la actividad escénica profesional desde el año 2000. De 2006 a 2019 ha sido profesora del departamento de Dramaturgia y Ciencias Teatrales de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León. En la actualidad, es Coordinadora Académica y profesora del Máster en Estudios Avanzados de Teatro de la Universidad Internacional de La Rioja, y Coordinadora del Área de Música y Arte de la Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales de esa universidad.
En 2017 ha coordinado la publicación de un volumen sobre directores de escena españoles contemporáneos cuya vida profesional se ha desarrollado en parte fuera de nuestras fronteras. La publicación se ha realizado en el marco de las investigaciones del Grupo de Investigación en Artes Escénicas ARES. Es también miembro del Instituto del Teatro de Madrid (ITEM), perteneciente a la Universidad Complutense, e integrante de la plataforma TEAMAD para el estudio de la cartelera de Madrid, proyecto de investigación financiado por la Comunidad Autónoma de Madrid. Sus investigaciones, ponencias y publicaciones se centran en la dramaturgia contemporánea, la escritura escénica y las diferentes metodologías de análisis del texto dramático, así como en la puesta en escena actual.
En el terreno dramatúrgico, ha colaborado con Juan José Villanueva en dos proyectos: Prometeo 2.1.0 y Leftovers, aportando ayudantía como dramaturgista y en la estructura escénica.

AMAYA GALEOTE

 

Amaya Galeote: Movimiento escénico y coreográfico

Titulada en Danza Clásica por el Real conservatorio de Madrid, Licenciada en Hª del Arte por la universidad Complutense de Madrid, estudia danza clásica y contemporánea en distintas ciudades como New York, Viena, San Francisco, Barcelona.
Como coreógrafa monta piezas de muy diferentes estilos como La niña farola (Teatro Español, Madrid) e In the grass ,para el Ballet de Carmen Roche, Des/envolturas para la compañía Psicoballet (Frinje 2014) y Destino/ destino con la compañía Casidanza y piezas cortas como Lego’s, Oídos Sordos.
Es responsable del movimiento escénico y la coreografía de varias producciones del Centro Dramático Nacional (CDN): La rosa tatuada dir. por Carme Portaceli, Séneca dir. Emilio Hernández, Elogio a la pereza dir. Gianina Carbonariu, Man Up dir. Teatro en Vilo. También realiza coreografías para El cíclope, dir: Ignasi Vidal, Leftovers dir, Juan José Villanueva , Cama dir. Pilar Almansa, Miss Mara quien se reserva no es artista dir. Teatro en Vilo. Así como para la ópera Je suis Narcissiste, dir. Marta Pazos, Coproducción Teatro Real-Teatro Español y Agua Azucarillos y Aguardiente dir. Amelia Ochandiano, Teatro de la Zarzuela.
Trabaja junto a varios artistas, destacando la creación de la performance En 8’,junto a la escultora Mar Solís para ( M.A.C.A ) y La mirada reversible para artbanchel ( Madrid ).
Ha disfrutado de varias residencias de creación: en la Compañía Nacional de Danza y en los Teatros del Canal. Su último montaje La incapacidad de exprimirte ha recibido las ayudas a la creación del Ayuntamiento y la comunidad de Madrid.

DIEGO PALACIO

 

Diego Palacio: Iluminación y Nuevas Tecnologías

Es licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia, por la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León. Máster universitario en la Universidad Rey Juan Carlos (2011-12) y doctor por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Ha sido profesor de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León (2011-2012) impartiendo asignaturas de iluminación, nuevas tecnologías y de dirección de escena. Desde el año 2014 es profesor del Máster Universitario en Estudios Avanzados de Teatro y desde 2018 en el Máster Universitario de Gestión y Emprendimiento de Proyectos Culturales, ambas titulaciones de la Universidad Internacional de la Rioja (UNIR) impartiendo diferentes asignaturas de escenificación, iluminación, investigación y cultura visual.
Como director de escena ha realizado varios espectáculos en el circuito profesional y festivales internacionales de teatro y danza, como Seven Seconds, estrenado en el Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC) 2013; Última Transmisión de QYBazo, estrenado en Valladolid 2015 y seleccionado en la 32ª Edición del Festival Internacional de Teatro de Almada (Portugal) y el festival Frinje Madrid. Este trabajo le supuso el premio Jose Luis Alonso para Jóvenes Directores entregado por la Asociación de Directores de Escena (ADE) el año 2015. Sus últimos estrenos son Uppercut en 2018 y Flock de Miguel Ángel Mañas en 2019, ambos en el Teatro del Mercado de Zaragoza.

MARC ÁLVAREZ

Con la colaboración de Marc Álvarez: Música

Creador de música para teatro, danza y cine, sus trabajos abarcan desde la composición de música para Carmen de la Compañía Nacional de Danza (Benois de la Danse 2015 y Venice TV award 2018) hasta la dirección musical de El Cabaret de los hombres perdidos (Premio Broadway World al mejor musical), pasando por El Pintor de batallas, The Hole 2, Plataforma (finalista al Max 2008 por la mejor música), El arte de la entrevista, DJ Peepshow, Peer Gynt, El Plan, Venus, El Cíclope y otras rarezas de amor, Yllana 25, La Calderona (Premio del público de la feria de Ciudad Rodrigo), Ben Hur, La cena de los idiotas, El arte de la entrevista, la dirección musical de Jesucristo Superstar o más recientemente la de The Opera Locos (Premio Max 2019 al mejor espectáculo musical), trabajando con directores como Calixto Bieito, David Ottone, Antonio Álamo, Juan José Villanueva, Joe O’Curneen, Víctor Conde, Ignasi Vidal, Juan Ramos Toro, Juan José Afonso, o Carlos Atanes.
Entre sus piezas para danza, además de la Carmen de Johan Inger, destacan El salto de Nijinsky de María Rovira para Trànsit Dansa (Premio butaca al mejor espectáculo de danza), La niña farola para el Ballet de Carmen Roche, con coreografía de Amaya Galeote, con la que también hace Lego’s, La incapacidad de exprimirte y Destino/destino. Actualmente compone para la nueva producción de Aterballetto con coreografía de Johan Inger Don Juan.

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