SILENCIO, PALABRA Y CUERPO EN ACCIÓN

LABORATORIO DE CREACIÓN ESCÉNICA

con

NIEVES RODRÍGUEZ RODRÍGUEZ + DAVID TRUEBA + JUANJOSÉ VILLANUEVA

LABORATORIO: Del lat. mediev. laboratorium ‘lugar de trabajo’, y este del lat. laborāre ‘trabajar’ y -torium ‘-torio’.

1. m. Lugar dotado de los medios necesarios para realizar investigaciones, experimentos y trabajos de carácter científico o técnico.
2. m. Realidad en la cual se experimenta o se elabora algo.

Este laboratorio propone un proceso de investigación y creación escénica donde exploraremos con tres conceptos teatrales de primer nivel, como son: el silencio, la palabra poética y el lenguaje del cuerpo en acción.

Los materiales generados en este proceso creativo se utilizarán para el montaje de una propuesta escénica final que será exhibida a público.

EL SILENCIO por DAVID TRUEBA

“Comenzamos por el silencio porque la palabra olvida las raíces de las que nació” “En todas las relaciones humanas aparecen dos grandes zonas silenciosas: antes y después de la palabra”. “Sólo se sale de este silencio por dos caminos: la palabra o la acción” Jacques Lecoq

Solo el silencio puede ser el origen. Solo de él surgirá la palabra creadora. Solo en él encontraremos voz a la que preguntaremos y que conformará el diálogo germinador de incógnitas que es toda creación. Esa voz cruzará por todo nuestro espíritu y recorrerá las fuentes sensitivas, como una semilla arraigada que abre la tierra. El que sabe hablar está iniciado en el silencio.

Nos interesa el silencio porque da vida a miradas nunca vistas, a gestos aún no ejecutados. Es en el silencio donde nace la calidad del gesto, de la acción y de la palabra poética. Es en el silencio donde se preparan los impulsos que organizan el espacio interior, los ritmos que emergen con urgencia. La urgencia de la acción que nos moviliza enteramente requiere un silencio favorable a esta acción. El silencio se une a la concentración que favorece la acción posterior, el silencio después de la acción nos llevará a la reflexión, a la retención de uno mismo.

LA PALABRA por NIEVES RODRÍGUEZ RODRÍGUEZ

La representación artística se aleja del pensamiento discursivo o demostrativo porque está obligada a conmover, finalidad esencial del arte. Para que esa emoción se produzca y la experiencia sea completa por parte del receptor, la palabra no puede convertirse en un muro infranqueable y hermético, pues que si nos conmovemos es porque una cierta forma de comprensión se ofrece. La tarea para despertar ese canal de entendimiento es, por parte del creador o creadora, ir ofreciendo indicios sobre los que dar a otro la posibilidad de desplegar su propio mundo simbólico.

De ahí que la literatura dramática –poética en su origen–, ofrezca la posibilidad de centrar su mirada en un mundo compacto, pequeño, núcleo sintético de un pensar que, a su vez, es capaz de centrifugarse para contar una realidad más amplia. Esa poética nace del silencio, pues que es él, el silencio mismo, quien ofrece la cualidad de la emoción, del tiempo para el mirar…

Luego llega la palabra. Rompe el silencio, de donde germina para volver a morir en otro silencio, distinto, nuevo, germen de otro decir, a través del diálogo sensorial y activo de los cuerpos en un espacio compartido…

El silencio – El habla – La palabra poética – El silencio

LA ACCIÓN por JUANJOSÉ VILLANUEVA

“Como no es posible eliminar la lengua de golpe y porrazo, al menos será preciso no dejar cabos sueltos: abrir en el lenguaje un agujero tras otro hasta que lo que acecha detrás, sea algo, sea nada, comience a rezumar y a filtrarse “ Samuel Beckett

¿Podemos diluir el lenguaje de la palabra en un lenguaje del cuerpo en acción? ¿Cómo conectar nuestra capacidad creadora con los estados físicos y mentales del texto para crear un diálogo escénico desde el cuerpo y el contacto con el otro? ¿A qué situaciones desconocidas nos llevan los silencios? ¿Qué historias y personajes emergen de ese trabajo? ¿Qué forma escénica surge al final del viaje?

Partiremos de los fragmentos textuales generados en el laboratorio para un viaje de retorno a otra textura de silencio, desvelando sus resortes físicos, el territorio de imágenes, claves rítmicas y sensoriales, investigando en las texturas de lo no dicho y sus silencios. Será el material de partida, ya desconectado de los fragmentos textuales, para propuestas en acción de los participantes, desde las que imaginaremos y exploraremos secuencias escénicas, horadando el lenguaje, fragmentándolo, transformándolo en acciones, imágenes, sonidos, espacios, texturas de luz, situaciones, conflictos, silencios.

OBJETIVOS

– Indagar en el nacimiento de la palabra tras habitar el silencio.

– Extraer la palabra de estructuras dramáticas básicas donde el silencio se presenta como motor dramático: una espera, una despedida, un reencuentro.

– Diferenciar entre el habla y la palabra.

– Habitar el silencio en el cuerpo poético.

– Desentrañar los resortes físicos, rítmicos y las redes de imágenes de un texto, sea o no dramático. Aplicarlos a nuestro imaginario como (motores)/ estímulos de la creación física y sensorial en el espacio.

– Explorar en acción los materiales lingüísticos y no lingüísticos del texto para (transformar) diluir la palabra en secuencias físicas, texturas sensoriales, atmósferas escénicas y espacios textuales de movimiento.

– Investigar desde la acción física, el ritmo del lenguaje y la interacción sensorial y activa en escenario.

-Generar propuestas escénicas a partir de la investigación del cuerpo en acción desde pautas no psicologistas

METODOLOGÍA

– Meditaciones conscientes para habitar el silencio.

– El juego psicológico silencioso: la presencia en el espacio, la escucha, la observación, la acción y la reacción. El conflicto y la situación dramática.

– El espacio y las atmósferas emocionales: movimiento, ritmo, actitudes, estados de ánimo, emociones, sentimientos y pasiones.

– El motor dramático del silencio: la espera.

– La palabra oráculo (sostener en la respuesta la pregunta) / La palabra poética

– Formas de regreso al silencio: dejar la huella de una palabra.

– Estudiaremos algunos presupuestos alrededor del silencio y la palabra provenientes de la mística y la filosofía para su aplicación interpretativa y física.

– Los resortes físicos y sensoriales del texto. Análisis de redes de imágenes, calidades de silencio y texturas de acción.

– El personaje diluido. Herramientas de actuación. Acción y dirección, impulso, imágenes en acción, ritmo y calidades de movimiento, escucha e interacción. Los colores del texto. La desconexión del texto y del cuerpo en escena.

– El proceso creativo. La secuencia escénica. El diálogo físico de los cuerpos en el espacio y la emergencia de sentido. El trabajo físico y sensorial con los elementos escénicos.

ESTRUCTURA DEL LABORATORIO

La estructura del Laboratorio se articula en dos fases:

FASE I: DAVID TRUEBA + NIEVES RODRÍGUEZ 

• Investigación en torno al silencio: Habitar el silencio. Los motores dramáticos del silencio. Las atmósferas para el nacimiento del silencio creador. El silencio en el cuerpo poético.
• Indagación del nacimiento de la palabra tras habitar el silencio. La búsqueda de la palabra poética.
• Diferenciación entre habla y palabra.
• El retorno al silencio: la huella de la palabra

FASE II: JUANJOSÉ VILLANUEVA

• Análisis de los materiales textuales de partida e improvisaciones a partir de las herramientas de actuación del Laboratorio.
• Presentación de propuestas individuales.
• Investigación y generación de materiales escénicos.
• Montaje y puesta en escena del dispositivo final, a partir del material desarrollado.

El laboratorio está pensando como una unidad de investigación y creación dividida en dos fases, pero también se pueden trabajar las distintas fases desde sus preceptos individuales, sin necesidad de realizar el laboratorio en su totalidad.

CALENDARIO:

FASE I: 2,3,9 Y 10 de abril de 10.00 a 15.00h.

FASE II: 23,24,30 de abril y 1 de mayo. De 10.00 a 15.00h

40h de laboratorio.

PRECIO:

LABORATORIO ENTERO:  280€

FASE 1: 150€

FASE II: 150€

Posibilidad de pago fraccionado.

Descuento del 15% para alumnos y exalumnos de la EIG

RESERVA DE PLAZA

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12 únicas plazas

DOCENTES.

NIEVES RODRÍGUEZ RODRÍGUEZ

Nieves Rodríguez Rodríguez (Madrid, 1983) Licenciada en Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático, Máster en Escritura Creativa por la UCM, Máster en Filosofía Teórica y Práctica por la UNED, estudia un Doctorado en Periodismo en la UCM.

Dichos estudios han ido conformando su interés dramatúrgico, con una idea de teatro innovadora y multidisciplinar que se ve resuelta en la formación de la Compañía Txanka Kua (Laboratorio de nuevos lenguajes tecnológicos) de Málaga.  Actualmente es Profesora de Escritura y Literatura Dramática en la Escuela Internacional del Gesto de Madrid.

Como autora, entre sus obras teatrales se encuentran La tumba de María Zambrano –pieza poética en un sueño– (Estrenada en el CDN y publicada por el INAEM en su colección Autores en el Centro, 2018), Lo que vuelve a casa (y otros árboles) (Premio SGAE de Teatro Infantil, 2017), Por toda la hermosura –cartografía textual para un jueves– (Estrenada en el CDN y publicada por el INAEM en su colección Autores en el Centro. Seleccionada en Escritos en la Escena del Laboratorio Rivas Cherif del CDN, 2017); Semillas bajo las uñas (Becada en IV Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales del INAEM, 2015), La araña del cerebro (V Premio de Textos Teatrales Jesús Domínguez, 2014 y publicada en Primer Acto 347. Estrenada en Atalaya-TNT dentro del I Festival CINTA –Cita de Innovadores Teatrales Andaluces– 2016, por la Compañía Txanka Kua), entre otras.

Ha editado los libros Un canto a María Zambrano (Colección Crítica. Ediciones Antígona, 2016) y Carrusel de Ogritos. Teatro para la Infancia y la Juventud (Fundación SGAE y AAT, 2017).

Es miembro del Consejo de Redacción de Primer Acto (Cuadernos de investigación teatral) y de la Asociación de Autoras y Autores de Teatro.

DAVID TRUEBA

David Trueba (Madrid, 1977) Licenciado en la especialidad de Dirección de Escena y Dramaturgia, completa sus estudios en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) de Madrid y en la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León (ESADCYL) de Valladolid.

Diplomado en Arte Dramático en la pedagogía de Jacques Lecoq, por la Escuela de Teatro Ana Vázquez de Castro en Madrid (1999-2002) . Con su maestra trabaja desde 1999 hasta su muerte, en el año 2013, profundizando en la aplicación pedagógica y en la dirección de escena de la pedagogía del maestro Jacques Lecoq. Con ella crea y dirige el espectáculo pedagógico “El actor y la máscara”.

Su formación en esta metodología la completa con varios talleres en Barcelona con la maestra Monika Pagneux (Ha trabajado con Mary Wigman, Étienne Decroux, Jacques Lecoq, Peter Brook, Moshé Feldenkrais o Philippe Gaulier)

Complementa su formación artística  con diversos maestros como  Grzegorz Jarzyna (Director del TR Warszawa) , Mecca Burns (Center for Applied Theatre Arts  en Charlottesville, Virginia, EE. UU) , Guillermo Heras (Teatro del Astillero), Carlo Colombaioni (Clown que ha trabajado con Fellini, Grotowski, Darío Fo, Totó, Jango Edwards o Leo Bassi), y Carlo Boso y  Stefano Perroco (Académie Internationale Des Arts du Spectacle, en París)

Ha trabajado como director en la creación de puestas en escena de autores consagrados, de la talla de: Juan Mayorga, Harold Pinter, Barry Gifford, Bertolt Brecht, George Buchner, Federico García Lorca  o Rodrigo García.

En los últimos años su trabajo está vinculado con la Akademia Ruchu de Polonia y con Zbigniew Olkiewicz investigando sobre diversos lenguajes artísticos como el teatro de calle, la performance, la música, la danza, las artes plásticas y el teatro social.

Actualmente es Director, Profesor de Interpretación y Movimiento de la Escuela Internacional del Gesto, estableciendo en la escuela una pedagogía de la creación contemporánea, en pos de un actor-creador, y aunando pedagogía, creación e investigación a partir del trabajo con el texto, el movimiento,  la interpretación , la dirección de escena y la dramaturgia como bases fundamentales en la formación de un artista del S.XXI

JUAN JOSÉ VILLANUEVA

Juan José Villanueva. Ha estrenado distintos espectáculos en el circuito profesional y festivales internacionales de teatro y danza, como el XXX Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, el V Festival Internacional Palabra y música en el Teatro Lope de Vega (Sevilla), la Muestra de Danza de la Junta de Andalucía o el XXXII Festival Internacional de Teatro de Badajoz, entre otros.

En el campo del teatro musical, ha sido durante 4 años director residente y adjunto a la dirección para el staff nacional de Stage Entertainment.

Su trabajo se extiende a talleres de investigación y residencias artísticas como director invitado en instituciones como los Teatros del Canal (Madrid), el Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA) o el Instituto Cervantes (Ministerio de Cultura).

Profesor en la especialidad de Dirección escénica y Dramaturgia en la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León, en el Máster de estudios avanzados de teatro de UNIR y en la Universidad Complutense de Madrid. Miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España, la Asociación de Directores de Escena (ADE) y el Instituto del Teatro de Madrid (ITEM).

Su último trabajo, actualmente en gira, es “Si esto es un hombre”, versión del texto de Primo Levi, producido por Cámara Negra Teatro y dirigido por Carlos Álvarez-Ossorio, donde ha realizado tareas de dramaturgista y de asesor de actuación.